在这座不断孕育新叙事的城市，压轴品牌轮番登场，为本季画上了一笔意味深长的句点。从新任创意总监的惊艳首秀，到女性力量、工艺精神与诗性美学的再生，每一场秀都像在诉说一个关于“重生”的篇章——或是对自我历史的回望，或是对未来时装语汇的重构。

　　这一季，设计师们不再满足于表象的革新，而是在深层结构中探寻“时尚之所以为时尚”的本质。Maison Margiela 的理性重塑、Balenciaga 的心跳新章、Loewe 的手工复兴、Givenchy 的女性再造、McQueen 的本能觉醒……它们共同汇聚成一股多元而包容的力量，映照出后疫情时代，时装业对身份、情感与文化归属的集体思考。

　　与此同时，Celine、Thom Browne、Lanvin等品牌亦在蓄势待发，重返女装成衣周，为下一个周期的时尚格局埋下新的伏笔。

　　继高定系列后，Glenn Martens 为 Maison Margiela 带来首个 2026 春夏 CO-ED 成衣系列。本季以 “重塑日常” 为核心理念，延续品牌对匿名美学的探索与对经典结构的再构造，呈现出一场兼具理性秩序与诗意反叛的时装演绎。

　　最引人注目的莫过于模特妆容——标志性的“四角缝线”被转化为象征性的“扩口器”，成为对Margiela 匿名哲学的极致表达，也隐喻着在反乌托邦语境中个体的被压抑与觉醒。

　　开场造型以定制概念展开，锐利弧形肩线与精准省道勾勒全新廓形，系带设计呼应品牌工坊制服。低裆裤型与轻盈牛仔材质相结合，塑造出修长流畅的比例。燕尾服马甲的剪裁线被解构并融入皮夹克与风衣，形成可折叠垂坠翻领。吊带裙以多重方式演绎——复古长裙外搭西装外套，或以缎带松弛收拢，真丝连衣裙上印有扫描花卉图案，褶皱自然描绘出时光的痕迹，诗意而感性。

　　鞋履延续品牌标志性语言：无跟设计与Tabi Claw以有机玻璃鞋跟再现经典意象，打破视觉重心，呼应品牌对“重塑日常”的当代诠释。

　　新任创意总监 Pierpaolo Piccioli 为 Balenciaga 带来了一场令人心跳加速的首秀。他将自己完整的设计世界，如高定式廓形、饱和色彩与精准剪裁——悉数融入这一全新舞台，呈现出一个既充满仪式感，又充满诗意的新时代面貌。

　　Piccioli 坚信——人们共享生命的节律，而心跳是人类共通的脉搏。本季，他以“心跳”为灵感线索，从共享的普世节奏中探寻个体的独特印记。无论是廓形、色彩还是剪裁，都在“共性”与“个性”间寻找平衡，构筑出鲜明而深情的时装叙事。呼应这一主题，别出心裁的邀请函也以跳动的心率呈现，吊足胃口。

　　本季灵感回溯至Cristbal Balenciaga于 1957 年发布的高定名作——Sack Dress（麻袋裙）。这一笔直简洁的廓形，曾打破旧有的束缚，以自由空间重新定义女性身体的存在。Piccioli 将其作为开场造型的原点：一袭黑色 V 领长裙，搭配夸张墨镜，简洁而极具张力，寓意“以人回归时装中心”。与此同时，品牌经典的束腰长上衣（Tunic）重回秀场，搭配黑色窄脚裤，正面纯粹简约，后颈处的开衩则流露克制的优雅。

　　在Piccioli 的手中，极简与极繁达至和谐共生。他以高定语言重新定义现代衣橱：将斜纹棉裤裁出雕塑般的结构比例，将飞行夹克化为饱满的皮革气泡廓形，甚至赋予白衬衫飘逸拖尾，让日常单品焕发礼服般的仪式感。而最令人瞩目的，是全新登场的 Neo Gazar 革新面料 ——仅凭剪裁即可塑造出雕塑般的立体轮廓，向 Cristbal 时代的建筑式美学致敬。 Piccioli 以他特有的温度与理性，为 Balenciaga 开启了全新的时尚章节。

　　“加入LOEWE罗意威，意味着续写一段逾 180 年历史所塑造出的品牌语言——其核心在于对手工艺的不懈坚持，以及源自西班牙的文化底色。我们的任务，是将这一精神延续，并通过我们的独特视觉去诠释它。”

　　他们提出三个当下迫切的追问： “手工艺”在今日应如何被重新定义？ 在传统痕迹消逝之前，我们能将它推向多远？ “西班牙特性” 又如何在当代语境中重生——不困于过往，却依然心怀敬意？

　　步入秀场，观众首先映入眼帘的是美国艺术家 Ellsworth Kelly 的《Yellow Panel with Red Curve》（1989），画作以大胆的色彩对比与几何结构，为整场大秀定下明亮且理性的基调，预示新季将以纯粹线条与饱和色彩构筑全新视觉语汇。

　　作为全球古老的奢侈品牌之一，Loewe 自1846年诞生于马德里以来，一直以皮革工艺闻名于世。系列中，光泽封膜皮革夹克被雕塑成钟形廓形，与此同时，牛仔裤由手工撕裂皮革制成、纽扣衬衫以皮革打造，并经手工褶裥与喷绘处理、背心与T恤则以皮革“纱线” 编织，穿插金属丝，塑造出自然褶皱与质感，不少单品被以“高工艺”的方式重新诠释。

　　本场大秀星光熠熠，王一博、惠英红、陈都灵等嘉宾到场，见证Loewe在全新创意团队掌舵下的崭新风貌。

　　这是 Michael Rider 接任后首个完整的成衣系列，“我希望大家能离开城市，走进自然。”

　　如何在 Phoebe Philo 的女性自信 与 Hedi Slimane 的摇滚少年感之间找到平衡，是 Rider 面临的命题。而他显然有自己的答案：拒绝浮华张扬，却以克制的力量回归真实。让时装成为陪伴日常的伙伴，而非博眼球的符号。修身西装、挺括裤装、轻盈丝巾，共同构建出兼具自由与精致的当代 CELINE。

　　他所擅长的，是以冷静精准的方式将经典融入日常，让服装回归“穿得出去”的本质。丝巾华丽变身，或缠绕颈间，或是随意披挂于西装之外，夜装部分同样精彩：缎面褶裥上衣与高腰裤装搭配，或泡泡塔夫绸连衣裙，低调中带着锋芒。

　　创意总监Sarah Burton探索多元的女性力量，从服装的解构剪裁开始，让肌肤在衣衫间若隐若现。“我不想再通过男性原型来定义女性的力量，而是思考——如何通过女性原型去重新赋能女性？” 因此，系列中充满了贴身连体衣、透明褶皱薄纱裙、针尖高跟鞋，以及介于“干练”与“性感”之间的微妙张力。

　　作为一位从高定起家的设计师，Burton 还在成衣中融入了 Givenchy 高定的气息，蓝色落肩大衣以丝线密密刺绣，流苏在下摆形成渐变穗饰；一袭白色床单式礼服亦施以同样的手工工艺，精致充满美丽。

　　作为最“美国”的美国设计师Thom Browne，这次却将观众带往时空之外的异星世界，上演一场关于“人类与外星生命邂逅”的时装奇谈。当灯光落下，灰银色的“外星使者”鱼贯而入，他们身着 Browne 经典的灰色剪裁套装，胸口绣着绿色的外星脸。

　　秀场上不乏超现实造型：运动西装外套突破经典，以凌厉的全新廓形呈现，肩线扭转前倾，形似插肩袖，向经典学院风与美式运动服所代表的传统符号致意。挺括肩部更加强势，腰线内收，下摆则设计为结构化外展，呈现thom对精裁服饰与正装美学的全新表达。裙装腰线降至低腰并以腰带束拢，褶裥于膝间轻柔垂坠。内搭的板球针织衫——作为thom browne标志性设计元素——被缩裁截短，构成新比例。

　　毫无疑问，这是本季最富奇思妙想、最令人愉悦的一场秀。 Thom Browne 的宇宙，依旧精准、优雅，又充满天马行空的诗意。

　　本季，夏姿陈于巴黎东京宫发布2026春夏系列，以主题「不停Unstill」诠释东方成语“马不停蹄”，将“马”的自由与力量化为时装语言，融合1970年代波西米亚的浪漫灵魂，描绘女性轻盈而无拘的姿态，也象征品牌在追寻极致之美的旅程中永不止步。

　　秀场以抽象光影构筑无疆原野，东方“马踏飞燕”的灵动与西方羽翼骏马的力量交汇，形成“东方嬉皮”独有气息。系列主打烟草棕、马鞭草蓝紫、亮玫红等色调，融合束口线条与喇叭剪裁，在飘逸蕾丝、斜纹棉麻与刺绣工艺间展现“柔中带刚”的自由姿态。女装以长加长的慵懒比例延展肢体美学，男装则以洞洞装、针织背心、流苏拼接传递放纵与个性。古董衣、喇叭裤与针织比基尼的混搭碰撞，构成诗意与叛逆并存的东方浪漫。

　　“静中有野，诗中有火”——夏姿・陈以无疆的诗意自由，书写女性的浪漫与坚韧，奏响一曲不停歇的春夏颂歌。

　　延续品牌标志性的“Chlo女孩”传统，Kamali 本季继续以自由灵动、带有 1970 年代波西米亚气息的雪纺裙为核心支柱。除此之外，本季Kamali将灵感追溯得更远，回到创始人 Gaby Aghion 的年代。

　　“我创立 Chlo，正是因为我热爱高定的设计理念，但我也意识到，那种理念已略显过时，甚至有些矫饰。我希望让兼具美感与品质的服装，真正走上街头，穿在当代女性的身上。”

　　1950年代末，Chlo 在巴黎的花神咖啡馆与利普咖啡馆首次发布系列。那是一个介于高定与成衣之间的独特表达：从高级定制的廓形美学中汲取灵感，却舍弃衬里、垫肩与支撑骨架。 它没有精英主义的距离感，却依旧拥有精湛的工艺与从容的优雅，展现出一种“entre deux”的风格状态——既不完全属于高定，也超越了日常成衣。

　　本季时装通过褶皱、打结与缠绕的手法，让面料在身体上自然呼吸，呈现出通透而有灵魂的轻盈感。后半部分，品牌回归更经典的色调：沙色、杏仁色、柠檬黄与咖啡棕交织出柔和的昼夜转换。茧型防风外套、短款衬衫、纱笼式裙装与大廓形风衣构筑出兼具功能与浪漫的层次感。

　　本季，创意总监 Sean McGirr 将灵感投射于他最钟爱的电影之一——1973 年的英国民俗恐怖经典 《异教徒》（The Wicker Man）。影片讲述一位虔诚的警探前往苏格兰偏远小岛调查失踪女童，最终却陷入神秘仪式的命运漩涡。

　　借由电影，McGirr 带领 McQueen 回归身体的真相——在压抑与释放的张力中，感受欲望的力量，聆听天性的低语。军官制服被解构重塑，象征秩序的象征转化为对欲望的探索。精准剪裁与错位贴袋形成视觉张力，制服面料与金属装饰延伸至紧身胸衣裙，呈现出力量与柔性的共存。除此之外，McGirr 回溯至品牌的传奇符码——Bumster 低腰裤。那是90年代 McQueen 最具挑衅性的创作之一，腰线低至骨盆之上，轻轻露出臀线。

　　柔软的府绸与收束的衬衫、裙装，共同构筑女性的感性形态。昆虫抽象印花在飘逸的真丝降落伞裙上铺陈开来，仿佛自然的欲望在燃烧。喷漆渐变与火焰装饰如同潜意识的欲念喷薄而出，雕塑感的垂褶流动如炽烈卷须，呈现出从克制走向高潮的视觉叙事。

　　职业是独立的镜像。Miuccia Prada凝思女性职业生态，以「At Work」为题，审视挑战、逆境与经历。在本季，Miuccia Prada将视野转向历史中最被忽视的一群女性：工厂女工、清洁工、家庭主妇。

　　“我们在时尚中总谈论光鲜与富裕，”她说，“但我们也必须承认，生活本身充满艰难。对我而言，‘围裙’承载着女性最真实的艰辛——无论在工厂，还是在厨房。”

　　秀场被布置成一间“工厂”：观众们直接坐在桌子上，脚下是橡胶质感的红地板。

　　本季通过元素混搭焕新“围裙”的功能与目的，致敬所有女性的职业付出，它不再只是家务的符号，而是所有付出、关怀与独立精神的勋章。工业斜纹布打造的围裙工装，与皮革、棉质府绸、丝质泡泡纱、原生帆布交织，致敬坚韧实用的工业之美。荷叶褶边流露女性优雅内核，平衡刚毅与甜美，挑战并颠覆社会既定定义、衍生规则与世俗期待。

　　在巴黎历史地标卡诺中学埃菲尔大厅，LACOSTE 将 2026 春夏大秀化为一间象征性的「更衣室」。这座由 Hector Degeorge 于 1895 年建成的玻璃与钢铁结构建筑，被转化为水汽氤氲的沉浸空间：瓷砖墙面、弧形玻璃幕、垂落帘幕交织出一种既私密又开放的氛围，仿佛置身于运动员赛后卸下战袍、整理心绪的间隙时刻。

　　创意总监 Pelagia Kolotouros 将“更衣室”定义为胜利与失败、喧嚣与静默之间的临界空间。在这里，每一位运动者都卸下防备，回归最真实的状态。本季她以全新视角诠释品牌的运动基因，聚焦 Ren Lacoste 早年网球训练的纯粹初心，将“未完成”的松弛感转化为时尚语言：衣领微斜、下摆半掖、面料带着余温的褶皱，呈现一种介于秩序与本能间的自然状态，传递出超越竞技的诗意力量。

　　系列以透明欧根纱、光泽毛巾布、反光皮革等材质构建出轻盈流动的廓形；透视 Polo 衫、印有 “Tennis for Everyone” 的浴袍风衣、亮面尼龙套装在复古色调中重释运动优雅。鲜橙、亮蓝、浅灰与经典鳄鱼绿交错，勾勒出怀旧与新生并存的视觉节奏。当运动员褪下战袍，LACOSTE 以“未完成的优雅”回应当代，捕捉身体与精神的自由律动。

　　当最后一场秀的灯光渐渐暗去，2026 巴黎春夏时装周留给我们的，不仅是潮流的轮廓与色彩，更是一种关于“更新”与“觉醒”的时代共鸣。

　　设计师们以各自的语汇，回应着当下的复杂世界：他们在传统与未来、理性与感性、秩序与自由之间，寻找新的平衡点。随着帷幕落下，新的时尚故事，正在黎明前的静默中，缓缓展开。